 |
__________ ___ ___
© «Новый Акрополь»
| | Борис Хомичев КОНЦЕРТ СОСТЯЗАНИЕ И СОГЛАСИЕ?Вы бывали на концерте? Ну хотя бы когда-нибудь? И что же это, по-вашему, за штука? Правильно, «публичное исполнение музыки в специальном помещении» — именно так сухо ответит нам словарь. Однако — вы, наверное, весьма удивитесь! — слово «концерт» происходит от латинского concerto — «состязаюсь» и итальянского concertare — «согласовывать». Состязание? Позвольте, футбольный матч, коррида, шахматы в конце концов — это понятно. А концерт!.. И какое тогда может быть согласие, ведь состязание — это борьба за победу, а кто же заранее согласен ее отдать?! Для согласия есть друзья, вечеринки... Попробуй тут разберись! Давайте для начала перенесемся в XVII век, в Италию. О, какой бурной была эта эпоха! C приходом Нового времени в судьбе музыки наступил крутой перелом. Тема божественной гармонии и связанное с ней многоголосное звучание хора со временем перестала быть ведущей, и содержательная сфера музыкального искусства неизмеримо расширилась. Тема человека — которая утвердится в культуре на три долгих столетия — привнесла в него грандиозные страсти и жадный интерес к жизни, свойственные новой эпохе. Инструментальная музыка стала «повестью о мире и человеке», новые страницы в которой появляются и сегодня. Джаз родился в XVII веке! Basso continue еще называют цифровым басом, однако это название не имеет никакого отношения к современным цифровым технологиям. Дело в том, что в кончерто гроссо композиторы часто прописывали в партитуре лишь басовую партию, а над ней в местах смены гармоний ставили цифры, соответствующие типовым аккордам, и уже по ним музыканты выстраивали партии своих инструментов. Авторы полностью доверяли исполнителям. Это своеобразное «соревнование» в мастерстве было так естественно и вполне соответствовало царившим тогда любви к импровизации и стремлению к совершенству! Со временем композиторы стали фиксировать в нотах все детали, однако практика записи аккомпанемента с помощью цифр возродилась в XX веке — в джазе. Можно сказать, что джаз принял через три века «эстафетную палочку» импровизации, состязания и согласия от музыки барокко. И даже родился тогда, в XVII веке! Кстати, об этом говорят и исполнители классической музыки. В XVII веке родились почти все известные нам музыкальные инструменты и все современные музыкальные жанры, пожалуй кроме симфонии — вершины музыкальных поисков. Вообще в то время все писали трактаты, вели жаркие дискуссии со «старыми ортодоксами» и каждый уважающий себя музыкант стремился открыть свой, «новый» стиль. Когда же Монтеверди провозгласил «взволнованный стиль», а выше всего стала цениться красота мелодии, новые инструменты в руках мастеров-виртуозов постепенно заменили человеческие голоса. При этом равноправие голосов, свойственное полифонии, нарушилось, инструменты принялись как будто состязаться между собой за право выразить и подчеркнуть мелодию по-своему! Но как они ни старались, поодиночке им не удавалось передать всю гамму чувств, переживаний, поисков, все богатство внутреннего мира человека. Только вместе, каждый со своим неповторимым голосом, они могли выполнить эту непростую задачу. Но надо было их как-то организовать! Вот так и родился новый музыкальный жанр — концерт, в котором один или несколько инструментов «состязались» со всеми остальными, и в этом «состязании» рождалось согласие. Сначала из всего оркестра выделилась маленькая группа. Ее стали называть concertino — «маленький концерт», а основную ripieno — «полный» или tutti — «все». Такой вид «состязаний» получил название concerto grosso — «большой концерт». Состоял он из нескольких частей, от трех до шести, выстроенных также по соревновательному (контрастному) принципу: быстрая — медленная. Приподнятый, местами даже патетический, а иногда лирический кончерто гроссо состоял из чередования плотных, массивных звуков tutti и более легких и нежных пластов звука concertino. Это было своеобразное музыкально-драматическое представление, к концу которого «актеры» сливались в едином гармоничном аккорде. Не удивительно, что такой блестящий жанр стал настоящей жемчужиной музыкального искусства барокко и перешагнул границы Италии и своей эпохи. «Бранденбургские концерты» Баха Иоганн Себастьян Бах, вдохновившись творчеством итальянцев, написал в стиле кончерто гроссо свои знаменитые «Бранденбургские концерты», причем каждый — для особого сольного состава инструментов. Этот цикл стал предтечей симфонии! Удивительно, но граф Бранденбургский, которому предназначался этот «музыкальный дар» Баха, равнодушно бросил его в чулан вместе с остальным бумажным хламом. Эти концерты нашли случайно, через много-много лет после смерти композитора, а ведь такое эпохальное произведение могло изменить ход музыкальной истории! Интересно, что в конце первой части 5-го «Бранденбургского концерта» Бах ввел обширную сольную каденцию для клавира — когда оркестр затихает, дирижер опускает свою палочку и дает солисту возможность свободно импровизировать. Отныне виртуозная каденция на этом месте стала непременной частью всех концертов. После долгих поисков, а также под влиянием искусства бродячих музыкантов был найден идеальный вариант концертино — две скрипки, виолончель и, как сегодня говорят, клавишные — чембало или клавесин. Этот состав мог наилучшим образом исполнить и одноголосье с сопровождением, и хоровую полифонию, и танцевальную музыку. Виолончель и чембало выступали в роли басового музыкального фундамента — basso continue, то есть непрерывного баса, или генерал-баса, как его часто называли. Инструментов в концертино четыре, а партий — три, поэтому до появления кончерто гроссо это музыкальное формирование называли трио, а произведения для них — трио-соната. Ее-то и можно назвать предшественницей концерта, а само слово «соната» говорит о том, что она звучит, в отличие от кантаты, которая поется.
Еще в 17 лет Корелли, в обход всех правил, приняли в знаменитую Болонскую академию, затем в Римскую, но к кончерто гроссо он обратился, когда был уже зрелым мастером, в самом конце жизни. Он написал всего один цикл из 12 концертов, ставший классическим образцом жанра и музыкальным завещанием композитора. Каждая часть концертов Корелли была своего рода «музыкально-живописным полотном в движении», а весь цикл можно сравнить с картинной галереей. Само слово «живопись» приобрело в музыке новый смысл — рисунок на холсте фиксируется в пространстве, а музыкальное «полотно» разворачивается, живет во времени, причем при каждом новом исполнении у него начинается новая жизнь! Кстати, сам маэстро был страстным коллекционером и знатоком живописи, почти все свое академическое жалование — а получал он немало — Корелли тратил на приобретение картин знаменитых соотечественников, например Брейгеля, Караваджо. Композитор использовал в своей «палитре» быстрый и медленный темпы: к тому времени уже сформировались известные нам три быстрых (аллегро — весело, стремительно; престо — очень быстро; виво — живо, приподнято) и три медленных темпа (ларго — широко и плавно; адажио — медленно, напряженно, тягуче; анданте — шагом). Они стали музыкальными символами различных состояний души и оттенков чувств человека. Корелли как будто бы наносил их мазками на свое «полотно», «тонируя» его минорным или мажорным светом. Кстати, концертино вам ничего не напоминает? Правильно, это же почти один в один классический состав рок-группы — две гитары (соло и ритм), клавишные и бас-гитара (не хватает лишь ударной установки)! Только ведущим, «рассказывающим» инструментом в наш век демократии и электричества стала гитара. А тогда, в XVII веке, родившись, как в алхимической печи, в мастерских итальянских мастеров Страдивари, Амати, Гварнери, голосом души человека стала скрипка. Она могла плакать и смеяться, страдать и радоваться, пронзительно вскрикивать и рассказывать о чем-то глубоко личном. Скрипку смело можно назвать музыкальным символом эпохи барокко. До сих пор «рецепты» старых мастеров остаются для нас тайной, а их скрипки, альты, виолончели и спустя почти 400 лет не имеют себе равных и берегутся как святыни. Настоящего расцвета жанр кончерто гроссо достиг в творчестве Арканджело Корелли. За новизну и смелость современники называли его Колумбом в музыке и новым Орфеем. Он создал удивительно гармоничный стиль — яркий, броский и одновременно скромный, покоряюще искренний и академически строгий, смело использующий народные, песенные и танцевальные элементы. Музыкальную драматургию концертов Корелли сравнивали с живописью его великих соотечественников. Композиторов Возрождения, несмотря на их прекраснейшие мессы и мадригалы, трудно представить в роли «музыкальных живописцев». Ведь у них не было еще такой богатой «палитры», да и задача музыки была другой. Их можно сравнить с архитекторами, у которых есть только мрамор для строительства храма. В Новое время музыка впервые за свою историю предстала во всей красе. Ведь ей одной из всех искусств дано погрузить слушателя в особый мир — Времени и тонких материй. И человек может не просто созерцать и осознавать, но и прикоснуться к этому идеальному миру, приобрести бесценный опыт души. Под влиянием Корелли формировалось мастерство Вивальди (кстати, знаменитые «Времена года» — яркий пример кончерто гроссо) и Тартини, его изучали и им восхищались Бах, Гендель, Куперен, у него осталось множество учеников, которые передавали традиции его школы новым поколениям музыкантов. Музыкальные «состязания» Моцарта Для своего любимого инструмента — фортепиано — Моцарт написал 27 концертов, которые — начиная с легких ранних и заканчивая трагическими поздними (как Концерт до минор) — составили значительную часть его богатого наследия. У Моцарта состязание по ходу концерта ведут уже два музыкальных образа, которым соответствуют основная и побочная партии, каждая в своей тональности. Причем эти образы контрастны и родственны одновременно. Вступая в противоборство и объединяясь, переживая конфликтные столкновения и, наоборот, сближаясь, в конце третьей части побочная партия переходит в тональность основной, — и все завершается согласием. В таком решении уже чувствуется влияние симфонии, которая во времена Моцарта набирала силу. Идеи кончерто гроссо получили развитие в новых формах концертов, где вместо концертино с оркестром стали «состязаться» отдельные инструменты — чаще всего скрипка, но также и гобой, флейта, клавесин, а потом фортепиано. Благодаря соло голос человеческой души стал в концерте еще отчетливее. Иногда одного инструмента все-таки не хватало, и тогда солировали сразу два или три инструмента, такие произведения назывались двойными или тройными концертами. Концерты становились все более сложными, и доходило даже до того, что никто, кроме авторов, не мог их исполнить, как, например, некоторые фортепианные концерты Шопена, Листа. А один из концертов для скрипки Брамса в шутку даже назвали «концертом против скрипки»! Формы концертов постепенно размывались, но элемент состязания солиста и оркестра оставался и у композиторов последующих поколений — Чайковского, Рахманинова, Прокофьева. Интересно, что в XX веке многие композиторы — Стравинский, Барток, Бриттен, Шнитке и другие — возродили в своем творчестве принципы старинного кончерто гроссо. Так, развиваясь, жанр описал полный круг, и слово «концерт» вновь вернуло себе то значение, которое придавали ему Корелли и Бах. Должно быть, в наше противоречивое время, чем-то похожее на эпоху барокко, нам очень не хватает их высокой простоты и устремленности к свету, несмотря на все трудности и конфликты — к согласию с другими и самим собой. Оказывается, за сухой строкой в словаре можно открыть целый мир! Обсудить статью на форуме "Новый Акрополь" |